Wer bist du? Die Antwort wird dich entsetzen

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Fun Fact. Der italienische Horrorstreifen Chi sei?, ein kruder Mix aus The Exorcist und Rosemary’s Baby, lief 1975 in den deutschen Kinos unter dem (korrekt übersetzten) Titel Wer bist du? Kurioserweise wurde der Film mit einem Slogan versehen, der frappierend an heutige Clickbait-Links erinnert: Die Antwort wird Dich entsetzen. Oben sieht man das deutsche Kinoposter.

Später auf VHS stand der Film unter dem reißerischen Titel Vom Satan gezeugt in den Videotheken.

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Einige Jahre danach wärmte die DVD-Veröffentlichung den alten Clickbait-Titel wieder auf, hielt aber auch am plakativen Satan fest. Da ist ein bischen zu viel „Entsetzen“ auf dem Cover.

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Zu allen Überfluss erschien die gleiche DVD später nochmals unter den englischen Titeln Beyond the Door und The Devil within her. Soviel zum Titel-Wahnsinn.

Ebenfalls erwähnenswert ist die deutsche Synchronisation dieses Films, die sich, wie üblich für die 70er Jahre, kaum am Original orientiert. Sprüche wie„Eins sage ich dir. Wenn ich groß bin, gehe ich ran wie eine Hafennutte!“ werden hier einem 10-jährigen Mädchen in den Mund gelegt.

Im folgenden Video hat jemand ein paar Kracher dieser Güte gesammelt:

Thomas Danneberg, unverkennbar, spricht den Vater und der kleine Ken wird von Oliver Rohrbeck gesprochen, der hier fast schon so klingt, wie ein paar Jahre später als Justus  Jonas in Die drei ???. Wer seine Schwester spricht ist leider nicht bekannt. Es würde mich schon interessieren, wen man mit diesem Job betraut belästigt hat.

An dieser Stelle bin ich zwiegespalten. Auf der einen Seite halte ich grundsätzlich nicht viel von Synchronisationen, aber wie man an diesem Beispiel schön sieht, erhalten maue Filme durch die gute alte deutsche Witz-Synchro definitiv einen zusätzlichen Unterhaltungswert.

Äußerst hörenswert, und das ganz ironiefrei, ist der coole Jazz-Funk-Soundtrack von Franco Micalizzi. Fast zu gut für diesen Film. Aber das ist ja keine Seltenheit im italienischen Genrekino.

 

Obsession und die 80er Jahre Retrowelle

Das Video zum Song Obsession der amerikanischen Indie-Band Joywave zaubert mir durchgängig ein Grinsen ins Gesicht. Die Band – oder die Produzenten; ich bin mir nicht ganz sicher, wer wieviel Anteil an dem Video und der Idee besitzt – hat für das 3-minütige Video sage und schreibe 64 verschiedene von B-Filmen aus den 1980er Jahren inspirierte Titel und Titelszenen kreiert. Manche blitzen nur für einen kurzen Moment auf, andere dauern mehrere Sekunden. Man muss auf jeden Fall genau hinsehen.

Bei einigen Titeln ist die Quelle offensichtlich (z.B. Red Puma <=> Red Sonja), bei anderen weniger. Mitunter greifen die Titel auch nur die gängigen Klischees auf. Gerade im B-Film waren viele Filme, Titel und Themen ja völlig austauschbar. Dem Video gelingt es jedenfalls sehr gut, den typischen 80er Film-Vibe über diese in kurzer Frequenz abgefeuerten collageähnlichen Vignetten zu transportieren. Und – das muss auch gesagt werden – der Song ist eine richtig geschmeidige Nummer, die klanglich sehr gut in die Ära passt. Um das Konzept letztlich perfekt zu machen, wurde das komplette Video auf gutem alten Kodak-Filmmaterial gedreht.

Zur Übersicht hier alle 64 Filmtitel aus dem Video.

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Gedanken zur 80er Retrowelle

Im Folgenden geht es nicht darum, dass immer noch viele Menschen gerne ihre Musik aus den 80ern hören oder dass Thomas Gottschalk regelmäßig eine Retroshow mit den immer gleichen Nasen im Fernsehen moderiert. Es geht auch nicht um Filme oder Musik, die irgendwie etwas aus den 80ern zitieren, covern oder remaken, denn das gab es schon immer. Ich rede von einer nostalgisch geprägten Retrowelle, deren vagen Ausgangspunkt ich 2011 am Film Super 8 von J.J. Abrams festzumachen glaube. Super 8 war der erste Film, der dieses wohlige Nostalgiegefühl weckte und den Zuschauer an 80er Jahre Filmklassiker wie Stand by me und The Goonies erinnerte. Im gleichen Jahr erschien der inhaltlich völlig gegensätzliche Drive von Nicolas Winding Refn, der, obwohl in der Gegenwart spielend, vom Design über den Stil bis insbesondere hin zum Soundtrack knallige 80er Jahre Atmosphäre verströmte.

Kurz darauf traten verstärkt Synthwave-Bands in Erscheinung – ich wage zu behaupten, das kann kein Zufall sein – die den alten Helden aus den 80ern nacheiferten, aber auch neue Akzente setzten und so ziemlich schnell populär wurden. Das dürfte auch dem Fakt geschuldet gewesen sein, dass diese Bands nicht einfach wie die 80er Jahre Hitparade klangen, sondern mit dem Einfluss von Film- und Videospielsoundtracks auch ein gewisses Nerdtum bedienten. So bin auch ich auf Bands wie Gunship, Carpenter Brut (alleine dieser Name!) und Power Glove aufmerksam geworden.

Filmisch wird es nun interessant. 2015 erschien der furiose Kurzfilm Kungfury, der bis heute über 30 Millionen Aufrufe auf Youtube hat. Das dazugehörige Musikvideo von David Hasselhoff kommt gar auf 40 Millionen. Man könnte an dieser Stelle auch Turbo Kid nennen. Der passt zeitlich gut hier hin und scheint irgendwie auch ein Teil dieser Retrowelle zu sein, aber die Steinbruch-Optik und die übertriebenen Splatter-Effekte fallen aus der Reihe und erinnern mich eher an japanische Filme der 2000er (sowas wie Machine Girl und Tokyo Gore Police kommt mir in den Sinn).

Ende 2015 veröffentlichte Amazon die wundervolle Serie Red Oaks, die wie eine perfekte Mischung aus Breakfast Club und American Pie anmutet. Auch spielt hier der Soundtrack eine große Rolle. Statt der ganz bekannten Nummern, werden hier überwiegend Songs gespielt, die man zwar irgendwie kennt, aber oft nicht direkt zuordnen kann. Dazu mischen sich neue Retrosongs, die sich nahtlos in den musikalischen Strom einfügen und so zumindest bei mir ständig zur Frage führten, ob das nun ein echter 80er Song oder doch was Neues ist, was da gerade im Hintergrund läuft.

Im folgenden Jahr ließ schließlich Stranger Things die Welle endgültig bis in den Mainstream schwappen. Hierzu gibt es wenig zu sagen. Der Erfolg und der darauffolgende Trend spricht für sich. Plötzlich sah ich Neonlicht und hörte Synthieklänge überall. Serien, Filme, Musikvideos, Werbung, Comics. Irgendwie schien jeder vom Stranger-Things-Hype profitieren zu wollen.

Zwei Jahre später kam Blade Runner 2049 ins Kino. Die Fortsetzung zu einem, wenn nicht dem ikonischsten Neonlichtfilm der 80er Jahre. Und seltsamerweise wurde der Film mit dem Erwerb der Filmrechte bereits 2011 angekündigt, in dem Jahr also als Super 8 rauskam.

Die Retrowelle erlangte schließlich mit Ready Player One einen meines Erachtens exzessiven Höhepunkt. Dieser Film ist die Kulmination und Akkumulation aller popkulturellen Referenzen der 80er Jahre. Der Roman, auf dem der Film basiert, wurde, welch Überraschung, im Jahr 2011 veröffentlicht.

Die Frage ist, wie lange wird der Trend anhalten? Wird die Kreativität über das banale Nacheifern siegen? Mitunter sehe ich bereits 80er Referenzen, die unpassend und anbiederend wirken. Aber noch bin ich offen für mehr Retro, so lange sehenswerte Produktionen erscheinen wie beispielsweise Summer of 84 (vom Regisseur von Turbo Kid) oder Obsession von Joywave.

Commando Ninja

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Ich hatte bereits letztes Jahr in meinem Trash-Tumblr den über alle Maßen fantastischen und herrlich beknackten Fan-Film Commando Ninja verbloggt. Da kürzlich ein sehenswertes Making-Of veröffentlicht wurde, nutze ich die Gelegenheit und weise auch hier noch mal auf den Film hin. Der Franzose Benjamin Combes hat dank knapp 800 zahlungswilliger Unterstützer auf Kickstarter und dem Enthusiasmus der beteiligten Helfer und Schauspieler eine augenzwinkernde Hommage erschaffen, die den Filmen huldigt, mit denen er aufgewachsen ist. Das sind vorwiegend die 80er Jahre Actionheuler von Cannon Films und Carolco Pictures. Die Ninja-Filme und der Schwarzenegger-Klopper Phantom Commando spielen ganz offensichtlich eine herausragende Rolle. Wenn man beide kombiniert, erhält man: Commando Ninja!

Für Trashfans bietet Commando Ninja einen hohen Unterhaltungswert, insbesondere wenn man diese Filmära kennt und genauso abgefeiert hat wie Filmemacher Combes. Commando Ninja ist einer dieser raren Filme, die absichtlich trashig sind und dennoch funktionieren. Guter Trash lebt ja eigentlich davon, dass er sich seiner Trashigkeit nicht bewusst ist. Unfreiwilliger Trash eben. Bewusst auf trashig gedrehte Filme sind hingegen selten überzeugend (Sharknado, anyone?). Commando Ninja aber funktioniert, weil viel Leidenschaft, Herzblut und Detailgenauigkeit drinsteckt. Das Beste: der knapp 70-minütige Kracher kann auf Youtube kostenlos angeschaut werden. Sowohl im englischen Original als auch in einer deutschen Synchronisation.

Das erwähnte Making-Of sei nochmals besonders empfohlen (Untertitel anschalten). Man erhält hier einen guten Einblick in die 3 Jahre dauernde Produktionszeit des Films und lernt den Film und den betriebenen Aufwand noch mehr zu schätzen. Gleichzeitig demonstriert das Making-Of, wie man heute einen beachtlichen Fan-Film realisieren kann, nicht zuletzt auch mit der Hilfe des Internets. Da ist nicht nur die Finanzierung über Kickstarter. Desweiteren hat Combes fast alle Schauspieler und Beteiligte über Facebook kennengelernt, sofern er nicht auf Talente aus seinem Bekanntenkreis zurückgreifen konnte. Selbst bei den Synchronisationen hilft das Internet dank Sprecher-Plattformen wie voicebunny.com.

Das Making-Of geht auch auf die vielen Probleme ein, die während des Drehs auftauchen. Passende Locations finden, Geldmangel, Krankheit, fehlendes oder defektes Equipment und manchmal auch schlicht fehlende Expertise. Sehenswert dazu das Segment über die improvisierten Special Effects der Einschusswunden. Wie Combes das alles mit viel Erfindungsreichtum und Hartnäckigkeit meistert, ringt mir echt Respekt ab.

Ach ja, einen tollen Soundtrack gibt es auch.

 

Und in Kürze ein Prequel-Comic. Die Action-Figuren (!) sind hingegen schon ausverkauft. Aber worauf ich eigentlich hoffe, ist natürlich eine Fortsetzung des Films. Vielleicht in drei oder vier Jahren?

Die Karte mit dem Luchskopf und Honey West

Ich bin stets aufs Neue überrascht, welche Anzahl von Filmen, Serien und Hörspielen das rührige Label Pidax Monat für Monat veröffentlicht. Pidax hat sich auf die Produktionen spezialisiert, die schon seit geraumer Zeit nicht mehr oder niemals zuvor käuflich zu erwerben waren. Das können Klassiker und Publikumslieblinge sein, aber auch wenig Bekanntes. Folgend soll es um eine bestimmte Serie gehen.

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Einige Pidax-Veröffentlichungen sind auch auf Amazon Prime Video verfügbar, wo ich die Serie Die Karte mit dem Luchskopf entdeckt habe. Die Serie ist gleich in mehrfacher Hinsicht interessant. Die Karte mit dem Luchskopf startete am 3. April 1963 im ZDF, nur zwei Tage nach dem offiziellen Sendebeginn des Senders, und ist damit nicht nur die erste Krimiserie, sondern die allererste Serie des ZDF überhaupt. In der Serie eröffnet die „junge und überaus attraktive Kai Fröhlich“ (Werbetext) ein Detektivbüro, womit man der Serie auch attestieren kann, die erste deutsche Serie mit einer Detektivin in der Hauptrolle zu sein. Kai Fröhlich, gespielt von Kai Fischer, die Genrefans in etlichen Gangster- und Horrorstreifen der 50er und 60er Jahre begegnet sein dürfte, richtet ihr Büro im Haus der Tante ein. Damit die Kunden der Detektei ihr als Frau unvoreingenommen entgegen treten, erfindet sie einen imaginären männlichen Chef namens Luchs und sie selbst gibt sich als dessen Sekretärin aus.

Bei der titelgebenden Karte handelt es sich um die Visitenkarte der Detektei, die in der gesamten Serie allerdings keine große Rolle spielt. In den meisten der dreizehn Folgen läuft die Handlung darauf hinaus, dass Kai Fröhlich sich irgendwo undercover einschleicht, sei es eine Autowerkstatt, um Autoschieber hops zu nehmen oder eine Hipster-Kommune, um den Diebstahl eines Gemäldes aufzuklären.  Das ist zwar fernsehhistorisch sehenswert, aber formal betrachtet aus heutiger Sicht ziemlich naiv geschrieben und bieder inszeniert. Das mag das deutsche Publikum damals freilich ganz anders gesehen haben. Aber Die Karte mit dem Luchskopf hat letztlich keine nachhaltige Wirkung gehabt, andernfalls wäre die Serie nicht nur eine Fußnote der deutschen Fernsehgeschichte geblieben. Immerhin sorgt die Pidax-Veröffentlichung für eine größere Bekanntheit.

An dieser Stelle komme ich nicht umhin, einen Blick auf England und die USA zu werfen. Diana Rigg sollte als Emma Peel zwar erst 1965 mit ihrem Einstieg in die vierte Staffel von The Avengers (Mit Schirm, Charme und Melone) für Furore sorgen, doch mit Dr. Catherine Gale, gespielt von Honor Blackman, besaß die Serie bereits seit der ersten Staffel eine Figur, die ein neues, emanzipiertes Frauenbild transportierte, dessen Einfluss auf Die Karte mit dem Luchskopf naheliegend erscheint. Dem deutschen Publikum dürfte die Serie damals weitgehend unbekannt gewesen sein, denn die deutsche Erstaustrahlung von The Avengers fand erst 1966 statt. Auch übrigens im ZDF.

Ein weiterer Vergleich drängt sich mit der amerikanischen Serie Honey West auf. In dieser Serie übernimmt die von Anne Francis gespielte Titelfigur von ihrem verstorbenen Vater eine Detektivagentur und klärt ähnliche Fälle wie ihre Kollegin Kai Fröhlich, allerdings alle eine Nummer spektakulärer. Ein paar Ähnlichkeiten stechen bei diesen beiden Serien besonders ins Auge:

Kai Fröhlich nennt sich Luchs und hat den Luchskopf auf den Visitenkarten, während Honey West einen Ozelot als Haustier besitzt.

Kai Fröhlich fährt einen MG A 1500, Honey West eine Shelby Cobra 289.

Skillz! Beide können Judo.

Beide finden sich desöfteren in brenzligen Situationen wieder.

Beide haben eine Tante, die sich überall einmischt.

Beide nutzen High-Tech-Gadgets.

Sowohl Kai Fröhlich als auch Honey West haben einen männlichen Sidekick, mit dem sie sich kabbeln. Hauptwachtmeister Kargel (gespielt von Karl-Otto Alberty) taucht bei Kai Fröhlich allerdings nur hin und wieder mal auf, während Sam Bolt (gespielt von John Ericson) ständiger Helfer und Begleiter von Honey West ist.

Die zwei Serien nutzen also sehr ähnliche Komponenten und Tropes. Bei allen anderen Punkten könnte man sagen: Zufall. Aber der Luchs und der Ozelot? Das liegt zu nahe. Kann Die Karte mit dem Luchskopf von Honey West inspiriert worden sein? Auf den ersten Blick scheint das unwahrscheinlich, denn Honey West entstand zwei Jahre nach der deutschen Serie. Auf den zweiten Blick wird es allerdings plausibler, denn die Serie Honey West basiert auf einer Romanreihe, deren erster Roman bereits 1957 erschien, also weit vor Die Karte mit dem Luchskopf, und beinhalte bereits oben genannte Merkmale vom Ozelot über den Roadster bis zum Sidekick.

Im Abspann von Die Karte mit dem Luchskopf heißt es: Drehbuch Wolf Neumeister, nach einer Idee von Kai Fischer. Deutsche Übersetzungen der Honey-West-Bücher erschienen erst 1969 im Loh-Verlag, aber aufgrund ihrer internationalen Tätigkeit in den 50er und 60er Jahren, könnte es im Bereich des Möglichen liegen, dass Kai Fischer die Romane bekannt waren. Letztlich aber bleibt das Spekulation, denn die Ähnlichkeiten können tatsächlich auch ein schräger Zufall sein.

Wie schon erwähnt, geht bei Honey West alles eine Nummer größer zu. Die Fälle sind spektakulärer und die Action ist aufsehenerregender. Bereits in der ersten Folge gibt es eine rasant inszenierte Autoverfolgungsjagd zu sehen. Überhaupt wirkt Honey West deutlich dynamischer speziell was Kamera und Schnitt anbelangt. Ein kesser Swing-Soundtrack von Joseph Mullendore tut sein übriges dazu. Die Karte mit dem Luchskopf ist dagegen nahezu musiklos und wirkt in vielen Szenen statisch. Trotz der kurzen Laufzeit von 25 Minuten pro Episode, gelingt es der Serie nur selten Tempo aufzunehmen. Honey West besitzt abwechlsungsreichere Sets und deutlich mehr Außendrehs. Und schließlich ergibt sich auch in den Dialogen noch mal eine große Diskrepanz. Bei Honey West und ihrem Partner Sam Bolt geht es deutlich screwballiger zu. Deren verbaler Schlagabtausch wirkt auch heute noch recht launig, wohingegen die Dialoge beim deutschen Pendant oft blass und bemüht wirken.

Eine größere Ähnlichkeit besteht beim Typus von Honey West und Kai Fröhlich und dem Frauenbild, das vermittelt wird. Beide treten forsch und fordernd auf, spielen aber auch die ahnungslose, hilflose Frau, wenn es nötig ist, um den Fall zu lösen. Beide wissen, was sie wollen und können, werden mitunter nicht ganz ernst genommen und müssen sich beweisen. Kai Fröhlich mehr als Honey West. Honey West’s Beruf als Detektvin wird tatsächlich selten hinterfragt oder angezweifelt, während Kai Fröhlich sich hinter einem imaginären männlichen Chef verstecken muss. Auch ein schöner amerikanisch-deutscher Gegensatz. Honey West streicht den Ruhm in stolzer Selbstverständlichkeit ein, Kai Fröhlich genießt ihre Siege dagegen in aller Bescheidenheit; und bleibt dafür in der Öffentlichkeit aber auch auf ewig nur die Sekretärin.

Der Vergleich mag ein wenig unfair sein. Was Budget und Fernseh-Erfahrung anbelangt, lagen die Amerikaner schon immer weit vorn. Nichtsdestotrotz eignen sich die beiden Serien sehr schön für einen Vergleich des deutschen Fernsehens mit dem amerikanischen Fernsehen in den 1960er Jahren, weil sie trotz der Gegensätzlichkeit so ähnlich sind. Die Karte mit dem Luchskopf ist dank Pidax und Amazon als DVD und Stream verfügbar. Honey West ist als englischsprachige DVD erhältlich und zudem finden sich etliche Folgen auf Youtube.

Zombi – Shape Shift

Das Spacerock-Synthwave-Prog-Duo Zombi hat endlich ein neues Album veröffentlicht. Das erste seit 2011. Wer Zombi kennt, weiß, was einen erwartet: ein superspannender Horror-Soundtrack mit Einflüssen von Goblin, John Carpenter und anderen Ikonen der 80er Jahre. Während der Vorgänger, Escape Velocity, fast schon ein wenig discomäßig ausgefallen war, beschreitet Shape Shift den düsteren Weg mit straffen Drums und vertrackten Basslinien.

Passend dazu das Video zum Song Diffraction Zone, das aus Szenen aus Horrorfilmen wie Trick or Treat, The Stuff, Slumber Party Massacre 2 und Creepshow 2 zusammengeschnitten wurde. Ein Kracher.

True Detective Season 2: Opening Credits

Das Intro zur zweiten Staffel von True Detective ist ein audiovisuelles Meisterstück. Den Netzkommentaren nach zu urteilen, stören sich allerdings nicht wenige an der Leonard-Cohen-Nummer Nevermind.

Im Vergleich zu dem hingehauchten Country-Geklöppel des Intros der ersten Staffel, ist das hier ein großer Bruch. Aber das gilt auch für die Geschichte und den Handlungsort. Dass hier alles anders ist, macht also schon das Intro deutlich. Mir gefällt es ausgesprochen gut.

Musikvideo: Player Piano – Ghost Waltz

Das Projekt Player Piano nannte sich vorher Cosplay Piano. Ein passender Name, denn genau diese zwei Dinge werden verbunden: Cosplay und Piano. Player Piano ist die Fortführung unter neuem Namen, das Konzept bleibt gleich: Pianistin Sonya Belousova und Regisseur Tom Grey inszenieren wunderbare Musikvideos rund um ein popkulturelles Thema.

Passend zu Halloween kommt heute Ghost Waltz, basierend auf dem Untitled Waltz von David Arnold, der das Stück ursprünglich für den Film The Stepford Wives (2004) geschrieben hatte, in dem es aber letztlich nicht verwendet wurde.