Die englische Schauspielerin Martine Beswick wurde durch ihre Auftritte in den James-Bond-Filmen Liebesgrüße aus Moskau und Feuerball einem größeren Publikum bekannt. Fans von Fellbikini-Filmen erfreuten sich an ihren Werken Eine Millionen Jahre vor unserer Zeit (an der Seite von Racquel Welch) und Prehistoric Women. In den 70ern und 80ern sah man Beswick in einer ganzen Reihe von Horror- und Science-Fiction-Streifen, darunter die sehr schön gefilmte Gender-Swap-Variation der klassischen Stevenson-Horrorgeschichte: Dr. Jekyll & Sister Hyde aus den Hammer Film-Studios. Ja, in den meisten Filmen war sie diejenige mit der wenigsten Kleidung.
Anfag der 90er Jahre wurde Martine Beswick für eine Werbekampagne der Zigarettenmarke West (Reemtsma) engagiert. Dies sind zwei der Werbeanzeigen. In der Dokumentation Invasion of the Scream Queens (1992) gibt es einen Kommentar von ihr dazu:
I just did a West cigarette commercial for Germany. And this is the second time- no, the third time I worked with them. There is a character that they came up with a year and a half ago which is the Dominatrix. And I’m all over Germany in this amazing dominatrix outfit. I’m on billboards, I’m on televísion, I’m on the big screen. In this commercial!
And they came back again to do it in L.A. And I just shot it a couple weeks ago. It was hilarious. I mean just hilarious! So that was kind of fun to do. I mean the kind of commercials I do they are always over the top. Way out there, you know.
Leider sind das die einzigen Bilder, die ich habe. Von der erwähnten Fernseh- und Kinowerbung habe ich noch nichts gesehen. Im Internet findet man zwar einige West-Clips aus der Zeit, aber keine dieser speziellen Kampagne. Was man allerdings findet, sind interessante Hintergrundinfos. Mit der Werbung, speziell dem zweiten Bild, sollten Schwule angesprochen werden. 1990/1991 gab es einen Marlboro-Boykott wegen der Unterstützung eines schwulenfeindlichen US-Senators durch den Zigarettenhersteller Philip Morris. Der Boykott war erfolgreich, woraufhin nicht nur Philip Morris Besserung gelobte, sondern auch alle anderen Zigarettenhersteller plötzlich die LGBTQ-Community als lohnende Zielgruppe entdeckte. Einen Artikel dazu findet man hier und bei der taz.n
…the more they stay the same heißt ein englisches Sprichwort, das soviel bedeutet wie, dass augenscheinlich große Veränderungen nicht immer auch große Bedeutung haben und letzlich nur den Status Quo verfestigen. Oder anders gesagt: Vieles bleibt gleich, egal wie viel sich auch ändert.
Vor 40 Jahren, im Herbst 1982, hat Roy Scheider dem Playboy Guide: Electronic Entertainment ein Interview gegeben. Dort ging es neben Scheiders früheren und aktuellen Projekten – das Interview wurde nach seiner Oscar-Nominierung für All that Jazz und kurz vor der Veröffentlichung von Still of the Night und Blue Thunder geführt – auch um den Zustand des Kinos in Anbetracht der Konkurrenz zu Hause bei den Zuschauern. Und zwar nicht so sehr die Konkurrenz durch die Videokassette, sondern durch das boomende Fernsehen. Das war die Zeit, in der Satelliten- und Kabel-Programme richtig durchstarteten und zunehmend hochwertigere Produktionen in Auftrag gaben, und Kinostudios anfingen, ihre Filme auch auf Fernsehtauglichkeit zu trimmen, um sie nach der Kinoauswertung an die Fernsehsender verkaufen zu können.
In dem Interview finden sich ein paar interessante Punkte, die den Wandel der Filmbranche dokumentieren, die aber auch heute noch oder wieder aktuell sind. Scheider beschreibt das Rennen um immer größere Filmprojekte und üppigere Spezialeffekte als einen Trend, dem das Publikum irgendwann überdrüssig sein würde, um sich dann wieder auf Filme, in denen es um Menschen und nicht um Effekte geht, zu besinnen: „They’ll want to see people. It’ll come back. Always does. You always have to come back to people“.
Der nächste Absatz ist ein Evergreen, der auch immer noch gern gesungen wird: „I think we’re now in a political situation rife with wars, all over the world, and people are upset and anxious; they seem to want science fiction, fantasy, escape or comedies. It all goes in cycles. So after a while, you’ll see the comeback of smaller pictures…“
In schlechten Zeiten will das Publikum Ablenkung und leichte Kost. Dass großbudgetierte Effektfilme damals nur ein Trend gewesen wären, der mal kommt, mal geht, kann man aus heutiger Sicht allerdings herzlich verneinen. Heute regieren immer noch und mehr denn je die Blockbusterfilme das Kino. Es mag natürlich gewisse Trends von Filmen und Genres geben. Aber, und das ist die gute Nachricht, der „kleine Film“ war nie davon bedroht, vom Big-Budget-Blockbuster abgelöst oder verdrängt zu werden. Es hat sich herausgestellt, dass das große Effektkino wunderbar mit kleineren Filmen und Indie-Produktionen koexistieren kann. Mehr noch. Unter Umständen sind die kleinen Filme nur möglich, wenn sie durch die Einnahmen der Blockbuster querfinanziert werden.
Scheider sagt in dem Interview voraus, dass es zukünftig – er spricht konkret von den nächsten drei Jahren – vermehrt Filme geben wird, die speziell und exklusiv fürs Fernsehen gedreht werden und er damit kein Problem hat, weil er sich in erster Linie als Schauspieler sieht und das Medium dabei egal ist: „People will pay two or three bucks to see Roy Scheider in a first-run film that blankets the country on cable. And if you want to see it again, you’ll have to pay for a tape. See, if an actor is an actor, what does it matter what medium you use? What do I care if people pay two dollars to see it one time in their home or five dollars in a movie house, where only one third of the people see it. More people will see my work at home. I’m just not interested in the medium.“
Zu diesem Zeitpunkt war diese Voraussage natürlich keine Hexerei. Es war abzusehen. Ein Jahr später drehte Scheider tatsächlich zwei Fernsehfilme für Disney und NBC. Dass Schauspieler zwischen Kino und Fernsehen hin und her wechselten, war damals nicht unbedingt die Norm. Heute sieht das anders aus.
Überhaupt steht die Filmindustrie heute wieder vor einem ähnlichen Umbruch. Was damals das Fernsehen war, ist heute das Streaming. Erneut scheint eine Verschiebung vom Kino nach Hause stattzufinden. Mit wesentlichen Unterschieden. Die technischen Voraussetzungen, die Scheider beschreibt, dass das Filmformat auf 4:3 angepasst werden musste, und die gesetzlichen Restriktionen, was im Fernsehen gezeigt und gesagt werden darf oder eben nicht, spielen heute bei den Streaminganbietern keine (große) Rolle mehr. Fast alles ist möglich. Und alles kann viel leichter umgesetzt werden.
Den Trend oder den Kreislauf, wie es Scheider nennt, dass sich Effektfilme – oder, was ja eigentlich damit gemeint ist: oberflächliche Big-Budget-Filme – mit tiefgründigen kleinen Filmen abwechseln, hat es so nicht gegeben. Aber die damaligen Einschätzungen von Scheider spiegeln die heutige Situation doch, wenn auch auf verzerrte Weise, eindeutig wider. „It all goes in cycles“ trifft zu.
In der Arte-Dokumentation Sean Connery vs James Bond ist ein kurzer Ausschnitt eines niedlichen Songs über James Bond zu sehen und zu hören, vorgetragen von einer Sängerin in schickem Cord-Jackett und einer Band mit zu vielen Saiteninstrumenten für die simple Melodie. Ich habe versucht herauszufinden, um wen es sich handelt. Ohne Erfolg. Damit der Clip erhalten bleibt, wenn Arte die Doku offline nimmt, habe ich den Clip auf Youtube hochgeladen.
Le silence de la nuit Tcham chai la et trois coups de fusil. Tcham chai la En moins d’une seconde. C’est James Bond.
Content-ID von Youtube zeigt nichts an. Das heißt, das Lied ist in keiner Datenbank für Verwertungsrechte enthalten. Eine Bildsuche blieb genauso erfolglos wie eine Suche nach dem Text oder eine Suche in den online zugänglichen Teilen von historischen Videoarchiven. Ich habe natürlich auch direkt an Arte geschrieben, aber bisher keine Antwort erhalten. Vielleicht haben die selbst Probleme herauszufinden, woher das Video stammt. Solange niemand den Ursprung des Videos kennt, bleibt die beste Chance wohl, dass jemand die Sängerin erkennt. Falls jemand eine Idee hat, würde ich mich über einen Kommentar freuen.
Ich habe zwei seltene Promofotos zu Jürgen Rolands Hamburger Gangsterstreifen Zinksärge für die Goldjungen entdeckt. Der Herr mit lichtem Haar und kühler Knarre ist kein geringerer als Uwe Carstens, auch bekannt als Dakota-Uwe, der in den 1970er Jahren bei der berüchtigten Chikago-Bande mitmischte und in Zinksärge für die Goldjungen einen Gastaufritt hatte. Im Hintergrund posiert Sonja Jeannine mit blonder Perücke.
Als Zugabe ein Streaming-Tipp: Wer wissen möchte, wie es im Hamburger Rotlichtmilieu tatsächlich zuging und was Dakota-Uwe so alles auf dem Kerbholz hatte, dem empfehle ich die dreiteilige ZDF-Dokumentation Die Paten von St. Pauli. Mir waren zwei einige Begebenheiten und Namen bekannt, aber die ganze Geschichte so gebündelt und chronologisch durch die Jahrzehnte hindurch erzählt zu sehen, ist noch mal eine ganz eigene Nummer. Das ist erschreckend wie unterhaltsam gleichermaßen. Diese Typen, diese Taten, ein Irrsinn.
Dieses Thema empfiehlt sich eigentlich für eine fiktionalisierte Aufarbeitung in Form einer großen Serie. Was HBO mit The Deuce für New York gemacht hat, könnte man auch für Hamburg umsetzen. Nur krasser. Könnte das nächste große deutsche Ding nach Babylon Berlin werden.
Nachtrag:
Es stellt sich heraus, dass Amazon an genau einer solchen Serie gearbeitet hat. Luden – Könige der Reeperbahn erscheint am 3. März und erzählt vom Machtkampf zwischen der Nutella-Bande und der GMBH. Herrlich!
Ich bin schon lange davon abgerückt, missionarisch dafür zu werben, Filme und Serien doch möglichst im Originalton ggf. mit Untertiteln zu schauen. Die Diskussion ist müßig und wird nicht selten auch als elitäre Debatte wahrgenommen, die zu nichts führt. Letztlich muss es jeder selbst entscheiden und heutzutage hat man auch in den meisten Fällen die Wahl. Allerdings kann ein dezenter Hinweis dann und wann nicht schaden. Das hat sich vielleicht auch Sky gedacht und vor der ersten Folge der Eigenserie Munich Games diese Texttafel eingeblendet:
„Können mit der Tonoption ‚Original‘ der kreativen Vision der Macher folgen“, die Formulierung gefällt mir. Dass das wichtig ist, gilt generell für alle Filme und Serien, aber noch mehr bei solchen Produktionen, in denen mehrere Sprachen gesprochen werden und wo die unterschiedlichen Sprachen ein wichtiger Teil der Handlung sind.
Neben Munich Games ist ein weiteres gutes Beispiel die gerade gestartete Netflix-Serie 1899, in der neben Deutsch und Englisch etliche europäische Sprachen sowie Japanisch und Mandarin gesprochen werden. Alle Schauspieler spielen hier in ihrer Muttersprache; und das ist kein Gimmick, sondern der Handlung entsprechend sinnvoll. Wer von den Personen wen wann versteht oder nicht versteht, ist ein Teil des Konzepts. Testweise habe ich mal kurz auf die deutsche Synchronisation geschaltet, um zu hören, wie man das dort gelöst hat. Man wird doch wohl nicht einfach alle Dialoge stumpf deutsch synchronisert haben, oder? Doch, genau das hat man getan. Nicht selten führt das dazu, dass Szenen gar keinen Sinn ergeben. Ein solcher Hinweis wie bei Sky, wäre auch hier dringend nötig gewesen. Vielleicht lässt sich doch noch der eine oder andere Zuschauer überzeugen. Auch wenn ich nicht mehr missionieren will, selten gilt so sehr wie hier: O-Ton mit Untertiteln einschalten!
Einige Serien, die in der letzten Zeit ihr Ende gefunden haben, möchte ich doch zumindest noch mit einem kurzen Kommentar verabschieden. Schön wars, aber nun ist es vorbei.
Homeland (2011 – 2020, 8 Staffeln)
Zwischen 2011 und 2020 hat es Homeland auf respektable 8 Staffeln gebracht. Die Serie sollte zwar nie wieder die nervenzerreißende Spannung der ersten drei Staffeln erreichen, aber Homeland ist es gelungen, bis zum Ende ein hohes erzählerisches Niveau zu halten. Nebem dem soliden Fundament aus spannungs- und wendungsreicher Erzählkunst, glänzte Homeland vor allem beim Schauspiel und den Figuren. CIA-Officer Carrie Mathison, gespielt von Claire Danes, hat es zur memegekrönten Berühmtheit in der Popkultur gebracht und gehört für mich ganz klar zu einer der interessantesten und komplexesten Fernsehfiguren.
Das Ende der Serie kommt nicht zu früh. Man hätte noch hundert weitere Terrorismus-Stories erzählen können, aber die Autoren haben das Wesen von Carrie bis ins Kleinste ausgelotet. So sehr Homeland eine Serie über Terrorismus, Geheimdienste und das üble Geschäft dazwischen war, so war Homeland auch immer eine Geschichte über Carrie. Deren Geschichte ist zu Ende erzählt. Alles, was jetzt noch käme, wäre Wiederholung. Wie die Serie endet, gefällt mir. Es ist ein bischen fordernd, vielleicht sogar provokant, in der allerletzen Einstellung aber auch versöhnlich. Das passt und lässt mich zufrieden zurück.
Ray Donovan (2013 – 2020, 7 Staffeln)
Staffel 1, Folge 1, Szene 1 Mickey, gespielt von John Voigt, wird aus dem Knast entlassen. Das „It’s a different world out there, Mickey. Good Luck.“ des Gefängniswärters deutet an, dass er eine kleine Ewigkeit einsaß. Mickey wird von einem Typen ohne Namen abgeholt. Schweigend fahren sie im Auto. Mickey starrt aus dem Fenster. Die Stadt zieht vorbei. An einer Kirche steigt Mickey aus, erklimmt die Stufen, bewegt sich gemächlich, aber zielstrebig durch die verwinkelten Gänge, betritt das Zimmer des überraschten Pfarrers, zieht einen Revolver aus der Jacke und steckt dem Pfarrer den langen Lauf in den Mund. „How does it feel, you cocksucker? You like it?“. Der Pfarrer wimmert, Gegenschnitt auf das verzerrte Gesicht von Mickey. Blam!
Was für ein Opener. Es gibt diese seltenen Momente, wenn man nach zehn Minuten weiß, dass man hier genau richtig ist und dass das Folgende einen unmöglich enttäuschen wird. Das war ein solcher seltener Moment für mich; und Ray Donovan hat mich tatsächlich bis zum bitteren Ende nicht im Stich gelassen. Ray Donovan, gespielt von Liev Schreiber, ist ein Problemlöser in Hollywood, jemand, den die Anwälte engagieren, wenn ein Filmstar erpresst wird, ein Model gestalkt wird oder ein Football-Profi eine tote Frau im Bett findet. Ray hat für alles und jeden eine Lösung. Nur gelingt es ihm nicht, seine eigenen Probleme in den Begriff zu bekommen. Sein Vater, der oben erwähnte Mickey, ist nur eines von vielen.
Die Serie, in der sich deprimierende Schwermut mit cooler Leichtfüßigkeit vereint, ist vordergründig eine wundersame Reise in die dreckigen Hinterhöfe Hollywoods und eine Geschichte über die schäbigen Deals in den Büros von Filmstudios, Anwälten und Politkern. Es gibt einige dezent satirische Anklänge. Aber Ray Donovan ist nicht so sehr Dekonstruktion des Hollywood-Mythos, wie man zunächst meinen mag. In erster Linie ist die Serie ein thrillergetränktes Familiendrama, das von seinen Figuren lebt.
Umso schändlicher ist es, wie mit diesen Figuren am Ende umgegangen wird. Die Serie wurde nämlich unerwartet nach 7 Staffeln abgesetzt. Mit etwas Wohlwollen könnte man die letzte Folge als teilweise offenes Ende schönreden. Immerhin wird der Haupthandlungsstrang, der quasi mit der allerersten oben geschilderten Szene seinen Anfang nimmt, recht ordentlich abgeschlossen. Als Zuschauer könnte man nun annehmen, dass zumindest Ray seinen Frieden finden kann. Leider bleiben alle anderen Figuren in der Luft hängen.
Insbesondere in Anbetracht der offiziellen Mitteilung des Fernsehsenders Showtime komme ich nicht umhin, in einen gewissen Zynismus zu verfallen:
After seven incredible seasons, Ray Donovan has concluded its run on Showtime. We are proud that the series ended amid such strong viewership and on such a powerful note.
Wenn die Serie eine so starke Zuschauerschaft hatte, wieso wurde sie dann abgesetzt? „Ended on a powerful note“? Es ist ein verdammter Cliffhanger! Aber gemach. Es gibt Hoffnung. Liev Schreiber selbst kündigte unlägst via Instagram an, dass das Team an einem finalen Film arbeitet! Wann und ob überhaupt der in Produktion geht, steht momentan in den Sternen. Aber ich bin vorsichtig optimistisch, dass diese großartige Serie doch noch ihren verdienten runden Abschluss bekommen wird.
Mr. Robot (2015 – 2019, 4 Staffeln)
Diese Serie ist von Anfang bis Ende ein absolut einzigartiger Trip. Ein Trip in die Gedanken- und Lebenswelt des brillanten, aber unter Angst- und Persönlichkeitsstörungen leidenden Programmierers Elliot, der eines Tages von einer ominösen Gruppe von Hacktivisten rekrutiert wird, um das größte Unternehmen der Welt, die E Corp, zu Fall zu bringen und die gesamte Verschuldung aller Bürger auszuradieren.
Der Serienschöpfer Sam Esmail macht gar keinen Hehl aus der Tatsache, dass ihm Fight Club als die maßgebliche Inspiration für Mr. Robot diente. Inhaltlich und auch filmtechnisch gibt es einige unübersehbare Parallelen zum Fincher-Klassiker. Allerdings sollte man sich als Zuschauer von dieser Nähe schnell wieder freimachen. Esmail hat aus der Essenz von Fight Club ein ganz eigenes gewaltiges Monster sublimiert. Mr. Robot ist sperrig, in Teilen unangenehm, und spielt in einer Welt, die mit schlechten Menschen bevölkert ist. Eine Welt, in der eigentlich niemand leben will. Als Zuschauer stellt man allerdings irgendwann fest, dass diese Welt nur ein verzerrtes Spiegelbild ist und unserer Welt gar nicht so unähnlich ist. Zudem sind die Konsumkritik, das Hinterfragen des Establishments und die Herrschaft der Megakonzerne, Datenschutz und Netzsicherheit, Themen, die aktueller nicht sein könnten.
Esmail hat es geschafft, dies alles verdammt plausibel in eine packende Geschichte zu weben, die einen nicht nur durch außergewöhnlich gutes Storytelling in den Bann zieht, sondern auch mit einem intensiven audiovisuellen Konzept die Synapsen stimuliert. Das ist alles keine einfache Kost. Mitunter ist es vielleicht sogar eine Qual, ganz im Sinne, dass es erst mal wehtun muss, bevor es besser wird. Aber wenn man durchhält und dranbleibt, wird man mit feinster Filmkunst belohnt. Das Finale der Serie ist eine Erlösung, nicht nur für Hauptcharakter Elliot, sondern auch für den Zuschauer. Ein fantastisches Finale. Und am Ende insinuiere ich ganz frevelhaft, dass Mr. Robot vielleicht sogar der bessere Fight Club sein könnte. Vielleicht. Oder ganz bestimmt.
Auf Amazon Prime kann man Sam Esmails Serie Homecoming abrufen, die ich ebenso empfehle, auch wenn sie nicht ganz die überragende Wirkung von Mr. Robot entfaltet. Als nächstes stehen für Esmail Serien über die seltsame Los-Angeles-Ikone Angelyne, den Watergate-Skandal, eine Adaption von Fritz Langs Klassiker Metropolis und eine Battlestar-Galactica-Fortsetzung auf dem Plan. Gutes Zeug, das ich nicht verpassen werde.
Dark (2017 – 2020, 3 Staffeln)
Das Phänomen Dark hatte ich letztes Jahr bereits kommentiert. An meiner Meinung hat sich auch mit der dritten Staffel und dem Ende der Serie nichts geändert. Dark ist eine der sorgsamst erzählten und logischsten Zeitreisegeschichten überhaupt – wenn man der verschachtelten Handlung folgen kann. Die dritte Staffel vollendet die Geschichte auf fantastische Weise. Hier zeigt sich der Vorteil überdeutlich, wenn eine Serie von vorne herein auf eine bestimmte Länge konzipiert ist und die Macher wissen, wie sie ihre Geschichte zu Ende erzählen wollen.
Meine Kritikpunkte bleiben nach wie vor die gekünstelten Dialoge und die Figurenzeichnung. Die Figuren wirken seltsam entrückt. Was eigentlich Sinn ergibt, da die ganze Geschichte entrückt von der Wirklichkeit ist, führt bei mir dazu, dass ich mit den Figuren nicht mitfiebern kann. Die Faszination von Dark speist sich bei mir nahezu ausschließlich durch die Geschichte und wird nur ganz selten durch die Figuren getragen. Im Vergleich zur oben genannten Serie Ray Donovan, in der die Figuren alle larger than life, aber immer greifbar sind, bleiben die Figuren in Dark vage Gestalten. Letztlich kann ich mich damit arrangieren, wenn ich es als Teil des Konzepts sehe.
Dark hat auf jeden Fall die Messlatte für Science Fiction, speziell für Science Fiction aus Deutschland, ein Stück höher gelegt. Die Serienmacher, das Ehepaar Baran bo Odar und Jantje Friese, arbeiten bereits an der nächsten Serie für Netflix. Es war vermutlich keine schlechte Idee von Netflix, die Beiden gleich langfristig an sich zu binden.
The Dark Crystal: Age of Resistance (2019, 1 Staffel)
Nun ist es Gewissheit. Netflix hat die Serie nach einer Staffel eingestellt. Ich glaube, es hat kaum jemand mit einer anderen Entscheidung gerechnet. Die Serie war schweineteuer, so munkelt man, öffentliche Zahlen gibt es nicht, und vor allem unfassbar aufwendig. Zumindest das sieht man in jeder einzelnen Einstellung. Die Detailverliebtheit, mit der die sagenhafte Märchenwelt des Planeten Thra zum Leben erweckt wurde, ist berauschend. Gleichzeitig ist die Serie das beste Beispiel dafür, wie man handgearbeitete Puppen und Modelle mit moderner CGI kombiniert. Ich würde ja am liebsten sagen, das ist die Zukunft. Aber aus Kostengründen werden solche verschwenderischen und zeitaufwändigen Produktionen wohl weiterhin leider die Ausnahme bleiben.
Für mich die schönste Serie des letzten Jahres. In der Tat bin ich gar nicht so verstimmt darüber, dass sie nicht fortgesetzt wird. Vielmehr freue ich mich, dass es überhaupt die erste Staffel gegeben hat. Das ist bei diesem Megaprojekt keine Selbstverständlichkeit gewesen. Und wer weiß, was die Zukunft bringt. Vielleicht ist das nicht das Letzte, was wir vom dunklen Kristall gesehen haben.
Erst letzten Monat hatte die ARD diese umfangreiche Wim-Wenders-Werkschau in der Mediathek. Ich glaube, es waren fast 20 Filme des Meisters, die man ansehen konnte. Diesen Monat bringt die Mediathek eine weitere schöne Filmsammlung online. Zur Einstimmung auf die 3. Staffel von Babylon Berlin stehen nun 12 Filmklassiker der 20er Jahre zum Abruf bereit. Von Berlin Alexanderplatz bis zum Überfilm Metropolis, von der Lotte-Reiniger-Scherenschnittanimation bis zum unvermeidlichen Blauen Engel.
Man muss sich allerdings ranhalten, denn am 19.10. verschwinden die Filme wieder. Eine gute Alternative ist es, die Filme über MediathekViewWeb zur Nachschau zu sichern. Denn so richtig bingeable sind diese zum Teil überlangen Stummfilme eher nicht.
Bezüglich Babylon Berlin sei auch nochmals auf die Hörspielserie hingewiesen, die man in der Audiothek hören und runterladen kann. Der nasse Fisch entspricht den ersten beiden Serien-Staffeln, Der stumme Tod der dritten Staffel. Mit Moabit gibt es auch noch ein Prequel zur Geschichte.
Hätte ich nicht erwartet, war aber nötig. Zum 50. Geburtstag der Tatort-Reihe, der allererste Tatort war Taxi nach Leipzig (29. November 1970), hat der WDR alle Schimanski-Tatorte rausgekramt und digital restauriert. Passenderweise feiert der erste Schimanski-Tatort, Duisburg-Ruhrort (28. Juni 1981), nächstes Jahr den 40sten, was wohl ein weiterer Anlass für dieses Projekt gewesen sein dürfte.
Bis ins nächste Jahr hinein strahlt der WDR dienstags die restaurierten Filme in chronologischer Reihenfolge aus. Danach stehen die Filme jeweils 90 Tage lang in der Mediathek zur Verfügung. Man sollte also nicht verpassen, sich über MediathekView die Folgen fürs eigene digitale Archiv runterzuladen. Eine Übersicht über die Ausstrahlungstermine bis zum Jahresende findet man in der Ankündigung der ARD.
Hier einige Screenshot-Vergleiche aus dem ersten Schimanski-Tatort. Links die alte Version von einer RBB-Austrahlung letztes Jahr, rechts die neue übearbeitete Version.
Hier noch mal eine Szene im Bewegtbild. Das Gegriesel, die Kratzer und der Dreck ist verschwunden, aber die Schärfe hat ein wenig gelitten. Hier gut erkennbar an den Wellen. Der Grauschleier stört etwas. Allerdings sehen die überarbeiteten Versionen der folgenden Schimanski-Tatorte noch mal deutlich besser aus.
So lobenswert das Projekt auch ist, einen Kritikpunkt habe ich doch. Der erste Tatort liegt in der Mediathek in Full-HD (1080p) vor, was mich sehr gefreut hat, denn damit ist die Auflösung deutlich höher als bei der TV-Austrahlung in Standard-HD (720i). Aus unbekannten Gründen sind die folgenden Tatorte jedoch nur in der 720er Auflösung verfügbar. Schade.
Vor einiger Zeit habe ich mein erstes und bisher einziges Film-Prop bzw. Serien-Prop erworben.
Es handelt sich um nichts Geringeres als die Original-Kissen, auf denen sich die nackte Irene Adler (Lara Pulver) bettete und versuchte, Sherlock (Benedict Cumberbatch ) um den Finger zu wickeln. Das war in der ersten Folge der zweiten Staffel, Ein Skandal in Belgravia.
In einer darauffolgenden Szene öffnet Sherlock einen Tresor, der mit einer selbstauslösenden Pistole gesichert ist. Einer der Schergen wird getroffen, wobei das Blut heftig spritzt.
Und siehe da, die Blutspritzer sind auf dem Kissen verewigt. Auch wenn die Kissen selbst schon etwas Besonderes darstellen, so gibt dieses Detail dem Ganzen doch einen besonderen Charakter. Und das Blut sagt: ja, ich war am Set.
Mit der Serie hatte ich zwar ein paar Probleme. Ich fand sie nicht durchgänging gut und teilweise auch etwas zu euphorisch abgefeiert von Presse und Publikum. Diese Folge allerdings war für mich eine der besten – und das nicht nur wegen Lara Pulver. Als ich zufällig mitbekam, dass ein Set-Designer der BBC die Kissen loswerden wollte, konnte ich nicht widerstehen, zumal sein Angebot preislich vernünftig war.
Das mit dem Sammeln von Film-Props ist nämlich so eine Sache. Eigentlich würde ich mir gerne ein paar weitere Orignalstücke in die Bude stellen, aber der Markt leidet unter dem gleichen Problem wie der Kunstmarkt. Es tummeln sich dort Leute mit dicken Brieftaschen, die ohne Sinn und Verstand das Geld raushauen. Nun ist es zwar so, dass prinzipiell etwas immer so viel wert ist, wie jemand dafür bereit ist, zu zahlen. Aber das bedeutet ja nicht, dass man jegliche Vernunft über Bord werfen sollte. Ich werde zwar weiterhin die Augen nach netten Stücken offenhalten, aber ein großer Sammler werde ich vermutlich nicht werden. Ich freue mich allerdings, mit diesen Kissen schon mal ein interessantes Objekt aus einer populären Serie zu besitzen.
Eine ganz neue Dokumentation, die die Martial-Arts- und Action-Filme aus Hongkong und deren Einflüsse auf Hollywood beleuchtet. Die Filme der Shaw Brothers, der Aufstieg und Niedergang der Golden Harvest Filmstudios, der unvermeidliche Bruce Lee, Jackie Chan und Sammo Hung. Bei Fans leuchten da die Augen. Aber ich könnte mir vorstellen, dass auch Zuschauer, die bisher wenig Kontakt mit dem Hongkong-Kino hatten, hierdurch Lust bekommen, in den einen oder anderen Film reinzuschauen.
Die Doku verknüpft stellenweise recht gelungen die alten Filme der 70er und 80er Jahre aus Hongkong mit dem modernen Actionkino aus Hollywood. Protagonisten wie Richard Norton, Cynthia Rothrock und Christopher Doyle, die in beiden Welten gearbeitet haben, fungieren als Bindeglied und vermitteln die immensen Unterschiede der Arbeitsweisen. Anhand von O-Tönen diverser Filmschaffender und den vielen Filmausschnitten zeigt die Doku auch ansehnlich, was das Hongkong-Kino ausmacht.
An anderer Stelle beschäftigt sich die Doku mit einem bisher eher vernachlässigten Thema, nämlich den Einfluss der Martial-Arts-Filme auf den Blaxploitation-Film und die Hip-Hop-Kultur. Das allerdings zu ausführlich. Ohnehin leidet die Doku etwas unter dem amerikanischen Blickwinkel (obwohl es eine australische Produktion ist). Klar, das Ding ist für ein westliches Publikum gemacht, aber eine ausgewogenere Berichterstattung wäre wünschenswert. Vollends verliert mich Iron Fists and Kung Fu Kicks, wenn Verbindungen vom Hongkong-Kino zu den australischen Krawall-Youtubern RackaRacka und Wakaliwood gezogen werden. Was RackaRacka veranstalten, trick- und stunttechnisch, ist spektakulär – und Wakaliwood-Filme haben ihren ganz eigenen kultigen Charme. Aber das alles hat herzlich wenig mit Martial-Arts aus Hongkong zu tun, ganz egal, wie man es dreht und wendet.
So bietet Kung Fu Kicks viel Licht, aber auch Schatten. Unterhaltsam ist die Doku auf jeden Fall. Langjährige Fans können in nostalgischen Erinnerungen schwelgen, Neulinge finden vielleicht den einen oder anderen Filmtipp. Daher gilt, wer ohnehin ein Netflix-Abo hat: reinschauen.
Dark Glamour – Aufstieg und Fall der Hammer Studios in der Arte-Mediathek oder auf Youtube.
Die französische Arte-Dokumentation widmet sich den britischen Hammer Filmstudios, die seit den 1930er Jahren in der einen oder anderen Form bis heute existieren. Der Schwerpunkt liegt natürlich auf dem großen Vermächtnis der Studios, nämlich den stilbildenden Horrorfilmen, die zwischen 1955 und 1973 entstanden. Die erste Hälfte der Doku nehmen The Quatermass Xperiment (Schock, 1955), der sozusagen den Relaunch der Studios einläutete, sowie das Dreiergespann The Curse of Frankenstein (Frankensteins Fluch, 1957), Horror of Dracula (Dracula, 1958) und The Mummy (Die Rache der Pharaonen, 1959) ein, die den Ruf Hammers als außergewöhnlichen Horrorgarant zementierten.
Die Filme, die in den 60ern entstanden, werden leider relativ schnell abgehandelt und einige interessante Produktionen tauchen gar nicht erst auf. Im weiteren Verlauf verdeutlicht die Doku, wie sich das Horrorgenre mit der Veröffentlichung von Schlüsselwerken wie Psycho, Night of the Living Dead und Texas Chainsaw Massacre veränderte, und wie sich Hammer zunehmend schwertat eine Linie zu finden. Etwas mehr Raum in der Doku bekommt schließlich noch Captain Kronos – Vampire Hunter (Captain Kronos – Vampirjäger, 1974), der zwar ein Kinoflop war, sich aber im Laufe der Jahre zum Kultfilm entwickelte. Neben den zwei Stars des Films, Horst Janson und Caroline Munro, kommen in der Doku der aktuelle Geschäftsführer von Hammer, Simon Oakes, die Horrorregisseure John Carpenter, Mick Garris, Dario Argento und einige Filmhistoriker und Hammer-Kenner zu Wort. Den Abschluss bildet ein kurzer Abriss über die neueren Produktionen von Hammer (The Woman in Black, Let me in).
Insgesamt ist Dark Glamour eine gelungene Dokumentation, die nur ein Problem hat: mit einer Laufzeit von 55 Minuten ist sie viel zu kurz. Man hätte problemlos eine mehrteilige Reihe daraus machen und so auch den Filmen der 60er Jahre das verdiente Augenmerk schenken können.
Saturnus Philosophorum 